Koreografi, seni mencipta dan mengatur tarian. Perkataan berasal dari bahasa Yunani untuk "menari" dan untuk "menulis." Pada abad ke-17 dan ke-18, ini memang bermaksud catatan tarian bertulis. Namun, pada abad ke-19 dan ke-20, makna itu berubah, tidak tepat tetapi universal, sementara catatan bertulis dikenali sebagai notasi tarian.
tarian: Koreografi
Koreografi adalah seni membuat tarian, pengumpulan dan penyusunan pergerakan menjadi tertib dan corak. Yang terbaru
Rawatan koreografi ringkas diikuti. Untuk rawatan penuh, lihat tarian: Koreografi; tarian, Barat.
Komposisi tarian kreatif dengan cara yang sama seperti komposisi muzik. Notasi tarian, bagaimanapun, adalah karya analisis dan pelaporan, yang dilakukan secara umum oleh orang selain koreografer, dalam bahasa atau tanda-tanda yang mungkin tidak difahami oleh penciptanya.
Semasa Renaissance, penguasaan tarian di Itali, seperti Domenico da Piacenza, mengajar tarian sosial di gelanggang dan mungkin mula mencipta tarian baru atau mengatur varian tarian yang diketahui, sehingga menggabungkan fungsi kreatif dengan yang pendidikan mereka. Balet berperingkat menggunakan langkah dan gerakan yang sama dengan tarian sosial dan berbeza daripadanya terutama dalam susunan lantai dan unjuran visual.
Pada abad ke-16, tuan tarian di gelanggang Perancis begitu mengatur pola lantai dan konteks teater dan artistik dari tarian sosial mereka untuk memulai bentuk koreografi, balet de cour. Dalam dua abad berikutnya, jurang antara tarian sosial dan tarian teater semakin luas sehingga balet pada abad ke-19 mencapai kosa kata yang pada dasarnya bebas.
Master balet era ini, koreografer, adalah pengatur tarian sebagai seni teater. Raksasa seni koreografi abad ke-18 adalah Jean-Georges Noverre, yang karya dan tulisannya membuat balet dramatis, atau balet d'action, dirayakan. Dalam ini, balet menggabungkan mime serta tarian akademik, memberikan ekspresi tarian dengan konteks naratif dan histrionik. Selepas Noverre dan Gasparo Angiolini yang sezaman dengannya, yang lain mengembangkan trend ini dengan pelbagai cara - terutamanya Jean Dauberval dalam penggambaran realistik rakyat negara kontemporari, Charles Didelot bergerak menuju ilusi dan fantasi pentas Romantik, dan Salvatore Viganò dalam penggunaan ensemble secara dramatik (choreodramma) dan keindahan isyarat tragis.
Para koreografer gerakan Romantis menggunakan balet, seperti yang dikodifikasi oleh tuan seperti Carlo Blasis, terutama dalam bentuk teater balet d'action pada hari Noverre atau dalam pengalihan opera (selingan balet). Ballerina, perannya semakin meningkat dengan titik kerja yang baru diciptakan (kedudukan keseimbangan pada hujung jari kaki yang ekstrim), dan corps de ballet wanita kedua-duanya mendapat perhatian baru. Para koreografer yang paling mengembangkan seni naratif tarian teater adalah August Bournonville di Copenhagen; Jules Perrot, terutamanya di London dan St Petersburg; dan Marius Petipa, yang di St. Petersburg membawa puncak aksi balet klasik yang menakjubkan dalam karya-karya seperti The Sleeping Beauty, di mana rangkaian tarian klasik yang luas dan kompleks membawa ungkapan puitis dan kiasan.
Tarian moden moden di Amerika Syarikat memperkenalkan unsur pergerakan dan ekspresi baru; dan dalam balet karya Michel Fokine menekankan gaya lebih naturalistik dan gambaran teater yang lebih kuat daripada klasik klasik balet Petipa. Sejak itu, bentuk koreografi bervariasi antara kutub representasi dan abstraksi.
Notasi tarian pada abad ke-20 memusatkan perhatian pada gerakan dasar serta tarian formal dan dibantu oleh penemuan sistem simbol abstrak baru - sistem Rudolf von Laban dan Rudolf Benesh yang paling berpengaruh. Labanotasi adalah yang pertama menunjukkan tempoh, kelancaran, atau intensiti pergerakan. Hari ini, sistem ini dan yang lain terus berkembang dengan pesat, diperkuat oleh filem dan pita video.
Koreografi berkembang tidak kurang pantas. Kaedah komposisi bervariasi secara radikal — beberapa koreografer menggunakan improvisasi penari mereka sebagai bahan mentah, yang lain merancang setiap gerakan sebelum latihan. Merce Cunningham secara radikal mengubah konteks koreografi dalam sikapnya terhadap muzik dan hiasan sebagai kebetulan (bukannya kolaboratif atau menyokong) untuk menari, dalam menggunakan metode kesempatan dalam komposisi dan organisasi tarian, dan dalam penggunaan ruang pertunjukan non-teater. Dia, George Balanchine, dan Sir Frederick Ashton menjadi eksponen tarian klasik atau abstrak; tetapi dua yang terakhir — seperti Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins, dan lain-lain — juga menghasilkan karya koreografi representasi utama. Satu-satunya peraturan mutlak dalam koreografi hari ini adalah bahawa ia harus memaksakan tarian di luar tahap improvisasi murni dan ia harus membentuk tarian dalam tiga dimensi ruang dan dimensi keempat waktu, serta sesuai dengan potensi manusia badan.
