Potret
Potret abad ke-15 yang dilukis - oleh Pisanello atau Jan van Eyck, misalnya - boleh dianggap sebagai karya bergambar yang lengkap dalam konsentrasi, pelaksanaan, dan pengedaran ruang mereka. Perwakilan yang jelas dan halus menggambarkan setiap detail permukaan, berusaha untuk realisme. Profil, kaya dengan terperinci, lebih disukai; menyerupai lega, ia mirip dengan medali. Selanjutnya dengan menonjolkan profil murni, profil tiga perempat, dengan kesan spatialnya, muncul ke depan, untuk kekal selama berabad-abad sebagai pendirian potret klasik.
Hubungan erat dengan lukisan berlaku untuk hampir semua lukisan potret abad ke-15. Walaupun karya yang sangat kuat kerana lukisan Dürer dari maharaja Maximilian berasal dari kajian potret untuk sebuah lukisan. Namun, pada saat yang sama, beberapa gambar potret Dürer dengan jelas merangkumi tahap akhir sebuah perusahaan artistik, suatu kesamaran yang juga dapat dilihat pada para potretis abad ke-16 yang lain. Karya-karya Jean dan François Clouet di Perancis dan Hans Holbein yang lebih muda di Switzerland dan bahkan lebih jelas lagi di England pada abad yang sama memberikan otonomi pada lukisan potret, terutama ketika sebuah lukisan diselesaikan dengan kapur dengan berbagai warna. Pilihan medium yang lebih lembut, kontur, yang untuk semua ketepatannya kurang lengkap, dan lukisan dalaman yang lebih halus dengan elemen satah memberikan gambar-gambar ini lebih menarik, lebih bersifat peribadi dan menonjolkan sekali lagi kedekatan mereka dengan lukisan.
Dalam teknik kapur polikromatik dan pastel, lukisan potret mengekalkan kebebasannya hingga abad ke-19. Pada abad ke-18, Quentin de La Tour, François Boucher, dan Jean-Baptiste Chardin - semua seniman dari Perancis ini - adalah antara pengamal utama, dan bahkan Ingres, yang hidup pada abad ke-19, masih menggunakan tekniknya. Dalam lukisan pastel, potret itu melebihi semua mata pelajaran lain.
Dalam pilihan pose, jenis, dan eksekusi, lukisan potret, seperti bentuk seni lain, dipengaruhi oleh ciri-ciri gaya umum zaman. Oleh itu, sikap bergambar yang melampau dari Baroque dan Rococo lewat diikuti oleh konsepsi yang lebih teruk semasa Neoklasik, yang lebih suka teknik monokrom dan memupuk serta bentuk khas siluet, lukisan kontur profil dengan kawasan yang penuh dengan warna hitam. Tidak terhutang budi kepada pendahulunya abad ke-15, pencipta lukisan potret pada awal abad ke-19 bertujuan sekali lagi untuk menghasilkan perincian tepat dan kesan plastik yang diperoleh melalui media grafik yang paling dipilih dengan teliti: pensil tipis dan keras adalah alat kegemaran mereka, dan titik perak juga ditemui semula oleh Romantik.
Lebih berminat dengan aspek psikologi potret, pelukis akhir abad ke-19 dan ke-20 lebih menyukai krayon yang lebih lembut yang mudah mengikuti setiap dorongan seni. Penyitaan unsur-unsur ciri dan rendition pesawat yang mencukupi lebih berat daripadanya daripada perincian yang realistik. Elemen mood, ketegangan intelektual, dan keterlibatan peribadi adalah ciri khas potret moden dan juga lukisan potret moden, sebuah seni yang terus mendokumentasikan hasil seni peribadi artis di luar ciri-ciri pelbagai teknik.
Landskap
Seawal abad ke-15, lukisan landskap juga memperoleh cukup banyak otonomi sehingga sukar untuk membezakan antara kajian yang telah selesai untuk latar belakang lukisan tertentu dan pemandangan yang dilukis sendiri yang bebas. Sudah ada dalam buku sketsa abad ke-15 Jacopo Bellini (disimpan dalam album di British Museum dan Louvre), terdapat hubungan intim antara kajian alam dan struktur bergambar; di studio Titian pada abad ke-16, lakaran landskap mesti ditunjukkan sebagai cadangan untuk latar belakang bergambar.
Tetapi Dürer yang mengembangkan lanskap sebagai imej yang dikenang dan karya seni yang autonomi, secara ringkas, sebagai tema sendiri tanpa merujuk kepada karya lain. Cat airnya di atas semua tetapi juga gambar dari dua perjalanannya di Itali, dari sekitar Nürnberg, dan perjalanan ke Belanda, merupakan gambar lanskap murni yang paling awal. Berabad-abad harus berlalu sebelum lukisan seperti itu berlaku lagi dalam rumusan mutlak ini.
Elemen landskap juga sangat ketara dalam lukisan dan ilustrasi Jerman dan Belanda abad ke-16. Perwakilan kiasan, yang masih ada dalam banyak kasus, secara formal cukup terintegrasi ke dalam lanskap hutan-dan-padang rumput yang romantis, terutama dalam karya Sekolah Danube — Albrecht Altdorfer dan Wolf Huber, misalnya. Lebih kerap daripada di sekolah lain, seseorang dapat melihat pemandangan alam di sini dengan teliti. Di Belanda, Pieter Bruegel menarik pandangan topografi dan juga komposisi lanskap bebas, dalam kedua kes ini sebagai karya autonomi.
Pada abad ke-17, kajian alam dan lukisan landskap yang tumbuh darinya mencapai tahap tinggi baru. Lukisan landskap Accademia degli Incamminati (misalnya, Domenichino) menggabungkan tema klasik dan mitologi dengan landskap kepahlawanan. Orang Perancis Claude Lorrain, yang tinggal di Rom, sering bekerja di bawah langit terbuka, membuat lukisan landskap dengan kualiti atmosfera yang belum pernah terjangkau. Jenis landskap yang diusahakan dan ideal ini, yang digambarkan juga oleh Poussin dan orang-orang Norther lain yang tinggal di Rom (mereka dipanggil sebagai Romanis Belanda memandangkan begitu banyak seniman dari Belanda tinggal di Rom, gambar-gambar mereka dari Itali mencapai kualiti yang hampir halus), berbeza dengan konsep landskap unheroic, dekat dengan alam yang dipegang terutama oleh orang Belanda ketika menggambarkan pemandangan negara asal mereka. Semua pelukis landskap — lukisan lanskap mereka suatu keistimewaan yang sangat diwakili di Negara Rendah yang dikhususkan secara artistik — juga membuat lukisan landskap yang bebas (misalnya Jan van Goyen dan Jacob van Ruisdael dan paman dan sepupunya), dengan Rembrandt kembali menduduki kedudukan istimewa: menangkap ciri-ciri kawasan dengan hanya beberapa kali, dia memperbaikinya sedemikian rupa sehingga mereka memperoleh kekuatan ekspresif monumental walaupun dalam format terkecil. Di Itali abad ke-18, lukisan landskap yang setia secara topografik menjadi penting dengan kedatangan Vedutisti, penyedia "pandangan", membentuk kumpulan dengan sendirinya (antaranya, Giambattista Piranesi dan Canaletto [Terusan Giovanni Antonio]) dan sering bekerja dengan alat bantu optik seperti kerangka geseran dan obscura kamera. Lukisan landskap kebebasan seni yang lebih besar, serta pemandangan khayalan, berjaya dilakukan oleh beberapa seniman Perancis, antaranya Hubert Robert; secara bergambar dan atmosfera, tema-tema ini mencapai bunga kedua di lanskap yang digambar oleh para seniman Inggeris seperti Turner dan Alexander Cozens, yang pengaruhnya meluas hingga abad ke-20.
Memandangkan minat mereka yang kuat terhadap persempadanan, penyusun Neoklasikisme abad ke-18 dan, lebih-lebih lagi, romantisme mengamati alam dengan ketepatan topografi. Sebagai "penemuan" baru, dunia Alpine yang dibesar-besarkan secara romantik dan heroik kini mengambil tempat di fikiran artis di samping pemandangan arcadian terhadap pemandangan Itali.
Lukisan landskap dan lebih-lebih lagi, cat air, membentuk tema yang tidak habis-habisnya pada abad ke-19. Artis Perancis Jean-Baptiste-Camille Corot dan, menjelang akhir abad, Cézanne dan van Gogh, adalah antara pencipta utama lukisan landskap. Landskap menjadi sebahagian daripada karya banyak pelukis abad ke-20, tetapi, selama hampir satu abad, genre tersebut menjadi tempat kedua kepada masalah bentuk umum, di mana subjek tersebut diperlakukan hanya sebagai titik permulaan. Walau bagaimanapun, selama 30 tahun terakhir abad ke-20, sebilangan besar seniman Amerika kembali menjadi perwakilan, sehingga melabur semula di lanskap sebagai subjek.
Gambar komposisi dan jangka hayat
Berbanding dengan tema utama lukisan autonomi - potret dan landskap - semua yang lain tidak kurang pentingnya. Komposisi gambar sangat bergantung pada lukisan masa mereka dan sering berkaitan langsung dengannya. Yang pasti, ada seniman yang membahas lukisan mereka dengan tema lukisan monumental, seperti pengukir abad ke-17 dan etcher Raymond de La Fage; secara umum, bagaimanapun, tujuan artistik komposisi gambar adalah gambar, dengan gambar yang mewakili tetapi alat bantu dan stesen jalan. Adegan genre, yang sangat popular di Negara-Negara Rendah abad ke-17 (seperti yang dilakukan oleh Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade, dan Jan Steen, misalnya) dan di Perancis dan Inggeris abad ke-18, telah mencapai kedudukan yang bebas. Pada abad ke-19 juga, ada gambar yang menceritakan kisah kehidupan seharian; sering berilustrasi dalam watak, mereka mungkin disebut "gambar kecil," bukan hanya kerana format yang sering berwarna-warni tetapi juga dalam pelaksanaan artistik mereka.
Kehidupan yang masih hidup juga boleh dikatakan sebagai lukisan autonomi, terutama gambaran bunga, seperti lukisan artis Belanda Jan van Huysum, yang telah terkenal sejak abad ke-17. Di sini, sekali lagi, benar bahawa susunan yang dirancang dengan baik mengubah kajian alam semula jadi menjadi komposisi bergambar. Dalam sebilangan komposisi ini, persamaan dengan lukisan sangat kuat; pastel seniman abad ke-19 dan ke-20 Odilon Redon, misalnya, atau karya ekspresionis Jerman abad ke-20, Emil Nolde, dengan intensiti kromatiknya, melampaui garis pemisah antara lukisan dan lukisan. Dalam kehidupan diam, seperti di lanskap, prinsip bentuk autonomi lebih penting bagi seniman moden daripada pernyataan fakta.
Lukisan yang menarik dan tidak mewakili
Lukisan dengan tema khayalan dan indah lebih bebas daripada realiti luaran. Penampilan mimpi, metamorfosis, dan gabungan tahap dan wilayah realiti yang terpisah telah menjadi tema tradisional. Karya-karya khayalan akhir abad ke-15 Hieronymus Bosch adalah contoh awal. Terdapat adegan petani kiasan oleh artis Flemish abad ke-16 Pieter Bruegel dan lukisan karnival artis Perancis abad ke-17 Jacques Callot. Lain-lain karya yang menggambarkan apa yang dapat dilakukan dengan melukis pemandangan luar dan potret adalah: pengukir Itali abad ke-18 Giambattista Piranesi, seniman Anglo-Swiss abad ke-18 Henry Fuseli, ilustrator Inggeris abad ke-19 Walter Crane, Perancis abad ke-19 Artis simbolik Gustave Moreau, dan Surrealists abad ke-20.
Seni non-representasi, dengan pengurangan elemen dasar menggambar — titik, garis, satah — menjadi bentuk murni, menawarkan cabaran baru. Melalui penolakan hubungan korporat dan spasial bersekutu, pengungkapan dimensi lukisan dan struktur pelbagai medium memperoleh makna baru. Kualiti grafik garis di dalam pesawat dan juga kawasan yang tidak ditandai telah ditekankan pada masa-masa sebelumnya — sebagai contoh, di grotteschi Giuseppe Arcimboldo pada abad ke-16 (gambaran bentuk manusia dan haiwan yang luar biasa atau hebat yang sering digabungkan dengan satu sama lain dan terjalin dengan perwakilan dedaunan, bunga, buah, atau sejenisnya) dan dalam latihan kaligrafi seperti moresques (hiasan linier yang sangat bergaya, berdasarkan daun dan bunga) - tetapi kebanyakannya sebagai model percetakan atau ukiran untuk tugas hiasan yang paling berbeza (hiasan dalaman, perabot, perkakas, perhiasan, senjata, dan seumpamanya).
